Al hablar de novela negra, nos viene a la mente una sucesión de nombres tales como Arthur Conan Doyle (Sherlock Holmes), Agatha Christie (Asesinato en el Orient Express), Wilkie Collins (La piedra lunar) Dashiell Hammett (El halcón maltés), Raymond Chandler (El sueño eterno), Jim Thompson (Almas)… y, cómo no, Edgar Allan Poe.

Hay escritores que sobreviven al paso del tiempo sólo por el hecho de encontrarse agarrados al nombre de un best seller, por ser la mano que redacta una historia, que vomita cientos de palabras sobre un papel y, nada más.

En la situación antagónica, se nos descubre Poe y su obra. Puede que mucha gente no haya leído ni uno de sus versos, ni un comienzo de sus cuentos, ni un final de sus novelas, y aún así, la sola mención de su nombre hace que se nos figuren en la mente palabras tales como horror, maestría poética, misterio, suspense, escalofrío… Temas que bañan sus composiciones y que, frente a la alabanza y admiración que hoy reciben, sufrieron duras críticas en su momento por parte de aquellos que calificaron al autor de “macabro y tenebroso”.

Nacido en Boston (EE.UU) en 1809, Edgar Allan Poe tuvo que enfrentarse con el duro golpe que supone para cualquier niño perder a edad temprana a sus progenitores, en este caso, actores de teatro itinerantes. Proviniendo de una pareja de artistas, Poe no tenía la más remota idea sobre política, lo que acrecentó el desinterés mostrado hacia este campo; ello le ocasionó más tarde graves problemas con su padre adoptivo (John Allan).

Desde este momento – a raíz de la muerte de su madre de acogida y del enfrentamiento con el padre – comenzará a adquirir un desarrollo mental y social más maduro que cualquier muchacho de su edad y a tener una conducta rara e incomprensible.

Pronto se convertiría en un ser desamparado, vagabundo y solitario; su vida fue un desastre, un descenso continuo que lo condujo hacia la destrucción física, moral e intelectual.

Según E. A. Poe, la máxima expresión literaria es la poesía, seguida muy de cerca por el cuento. Es justamente célebre el poema El cuervo (1845), donde su dominio del ritmo y la sonoridad del verso llegan a su máxima expresión. Las campanas (1849), que evoca constantemente sonidos metálicos, Ulalume (1831) y Annabel Lee (1849) manifiestan idéntica maestría.

No obstante, será en su cuentística de terror donde mejor se refleje la genialidad y originalidad con las que Poe fue capaz de dotar a sus creaciones. Sus relatos se recrean en lo espantoso, escritos de una forma satírica y paródica, compuestos para impresionar y sorprender.

Encontramos entre los títulos más sonados: “Manuscrito hallado en una botella”, “Los crímenes de la calle Morgue”, “La carta robada”, “El corazón revelador”, “La máscara de la muerte roja”, “El gato negro”, “El escarabajo de oro”, “El hombre de la muchedumbre”, “El diablo de la perversidad”. Refleja en todos los cuentos ese espíritu de majestuoso escritor que, no obstante, parece absorbido por una llaga o herida no curada.

Se considera a Edgar Allan Poe el padre de la novela policíaca, iniciada con su relato de 1841, Los crímenes de la calle Morgue (ya señalada arriba). A él debemos el primer detective literario – Auguste Dupin – que sirvió de inspiración al glorioso Sherlock Holmes.

El pasado 19 de enero se celebró el bicentenario del nacimiento de Poe, quien murió sin ver cumplido uno de los mayores deseos que cualquier escritor puede anhelar: el reconocimiento de sus obras en vida.

Se le ha acusado de borracho, de opiómano, de loco… ¿no se aplicaron también calificativos sinónimos a decenas de artistas, de genialidades de la pintura, escritura, del cine…? ¿Por qué, por una vez, no dejar apartados los estereotipos sociales, luchar por no ser conducidos a un redil ideológico de perfecciones y roles determinados, y disfrutar de la grandiosidad que estos personajes, aliados del paso del tiempo, nos han legado?

En uno de sus cuentos – “El corazón revelador” – él mismo Poe escribe con impresionante objetividad: “¡De veras! Soy muy nervioso. Tremendamente. Lo he sido siempre; pero ¿por qué dicen que estoy loco?“.

¿Loco o incomprendido? ¿Habría conseguido llegar hasta donde lo hizo si hubiera dejado a un lado todo lo vivido, sentido y sufrido?

Como diría Julio Cortázar en su libro (“El poeta, el narrador y el crítico”): “toda tentativa meramente caracterológica de explicar la obra de Poe confundirá, como siempre, medios y fines”.

Cuando me asignaron este tema, más bien por necesidad que por gusto – se está mejor ahora en la piscina con los colegas que a las cuatro de la tarde escribiendo un artículo con el calor que hace-, nunca supuse que existiera tan gran cantidad de libros y artículos dedicados tanto a la relación como a las diferencias entre ambas disciplinas, tenía que encargarme de la realización de un monográfico que hablara sobre la literatura en el cine, no sabía como empezar y como sería capaz de resumir todo este material en dos o tres páginas, por lo que pedí ayuda a una Catedrática de Teoría de la Literatura que amablemente me cito una serie de libros como “Historia y discurso” de S. Chatman, “Cine y literatura” de P. Gimferrer… el problema es que pedí su ayuda el día de entrega del artículo, imposible, aunque hay los tenéis por si os interesa el tema, yo por lo menos me los leeré.

Después de la decepción de no poder profundizar por falta de tiempo decidí ir a por lo más fácil, coger obras literarias que han sido llevadas al cine y comentarlas y si después sobraba espacio dedicarme a hablar sobre la polémica existente en si son o no buenas las adaptaciones, y no os voy a decepcionar, señores, aunque invertiré el orden, primero polémica y después si queda espacio un par de filmes, es lo que hay, es mi artículo y tengo total libertad para hablar de lo que quiera, como si os quiero hablar de la nueva ministra de cultura como hace mi compañero y amigo Paco o sobre la subida del IPC.

Intentare algo ligero que se pueda leer como curiosidad en una de estas tardes calurosas de verano, eso sí, con algo fresco que beber para ayudar a la digestión de las palabras, recomendaría cerveza helada -el alcohol es necesario para gente como yo-, si la religión lo impide serviría un refresco frió o un helado.

Antes de comentar algunas pelis, sería conveniente que supierais que tanto el cine como la literatura son disciplinas muy vinculadas entre sí, contienen una misma estructura narrativa, buscan el arte al narrar, tanto el cine como la literatura se sirven de la imagen y la palabra para transmitir situaciones tanto reales como ficticias. Sin embargo no sucede a un mismo nivel, el cine utiliza la imagen para decirnos algo que en la novela estaría escrito, mientras que la novela a través de las palabras te dibujan una imagen, de la calidad depende del nivel del autor o director. Desde la aparición de la novela -se habla de unos cuatrocientos años- hasta la realización de la primera película ha pasado muchísimo tiempo, aunque estructuras de obras literarias como las de C. Dickens ya guardaban relación con estructuras cinematográficas, creadas hace unos cien años.

De todas formas, esto último solo sirve a nivel informativo, pues como he dicho antes el título es literatura en el cine y no voy a tratar sobre la relación o diferencia entre ambas, aunque supongo que de poco sirve ahora esto, puesto que ya lo habréis leído, lo siento. Es como el comunismo, al fin y al cabo quiero rellenar tres páginas de las cuales tengo conocimientos para rellenar una y media sobre el tema del que tengo que hablar.”

Entrando ya en materia, desde la aparición del cine – el séptimo arte- se han utilizado las obras literarias de fama para llevarlas a “la gran pantalla”, a partir de aquí se me ocurren una serie de interrogantes: ¿eres de los que piensan qué las versiones literarias llevadas al cine son basura? ¿Eres de los qué prefieren leer el libro y después ver la película, o viceversa? O ¿piensas que si lees el libro, la película tiene muy poco que contarte?

Responde en los huecos con el lápiz, que para eso está, no para que lo cojas y tires la revista. Si te portas bien para la próxima metemos la goma o el sacapuntas.

En cuanto a la primera pregunta respondería con un par de películas cuyo resultado fue más impresionante para mi gusto que el libro, aunque como las opiniones son dispares, antes de que se me lancen al cuello, solo diré que está claro que una película que dura aproximadamente dos horas no puede contarte todo lo que te dice el libro de quinientas páginas, pero hay que reflexionar en la complicadísima labor de sintetización que se realiza en el guión cinematográfico, y en muchas ocasiones de esas 500 paginas sobran 499 y no quinientas porque la última la lees con ganas a que se termine, y lo leo porque tengo el problema de muchos, cuando empiezo algo quiero terminarlo.

Además hay que tener en cuenta que el cineasta con una imagen buena de ambientación de un lugar se ahorra las descripciones a veces intuitivas y de relleno.

La negativa a las adaptaciones cinematográficas, como he podido ver en algunos foros, es clara, muy bueno tiene que ser el director, el reparto, etc. para poder hacer una buena versión de una de las grandes novelas, aunque esta claro que sería en muchas ocasiones imposible superarlo. La lectura hace que crees imágenes en tu cabeza y el cine te da la imagen hecha, si no es como esperabas te decepciona, por eso suele haber rechazo. Aunque está claro que los precedentes hablan por sí solos, se sacan muchísimas versiones muy malas, me atrevería a decir que pocas películas superan a las novelas en las que se inspiran, pero vuelvo a repetir depende de la película y de la obra.

Referente a la segunda pregunta, prefiero la lectura, pero también depende del tipo de lectura y del tipo de película. Prefiero ver una de las adaptaciones de las novelas de Stephen King como “El Resplandor” llevada al cine por Stanley Kubrick, antes de leer el libro. Así como que prefiero leerme el libro de García Marquez antes que ver una peli versionada, que por lo que cuentan son pésimas adaptaciones. Para gustos los colores.

Dejando polémicas a parte quería dejar esta última página -por fín- para citar pelis y directores que han versionado obras literarias, pero os robaré unas lineas para hacer algunas críticas al estilo de Peter Griffin: ¿Sabeis lo que me saca de mis casillas? Aquellas personas que pensais que el cine es el hermano “tonto” de la literatura, como he leido por ahí, dejarse de ver tantas americanadas malas y de criticar las peliculas “que te hacen pensar” que coño quereis decir con esto, solo me provoca lástima de quienes lo dicen, son aquellas personas cuya mejor película es “Dos rubias con Pelo en pecho” o “Mentiras y gordas”, que por si no lo sabeis, la guionista es nuestra queridísima nueva Ministra de Cultura… También me saca de mis casillas aquellos autores que se dedican a sacar libros de miles de páginas mal escritas y hechas para llevarlas al cine, pero por el simple hecho de que los envidio.
En cuanto a las películas basadas en libros he seleccionado estos cuatro que creo que serán del gusto de todos los públicos, que no quiere decir que sea del mio, son directores dignos de mención aunque no sean los mejores versionistas de obras literarias:

El Padrino gracias a la dirección de Francis Ford Coppola, se convierte en una de las sagas más famosas y premiadas en el cine, estrenada en  el año 1972 y protagonizada por Marlon Brandon quien consigue un “oscar” con esta película y pongo oscar entre comillas por que el actor rechaza este galardón al ser su segundo año consecutivo de reconocimiento. El Padrino se reconoce como obra maestra del cine inspirada en un best seller cuyo autor Mario Puzo consigue gran prestigio. Nos hayamos ante un caso que tuvo gran seguimiento en papel y consiguió aún mucho más con la saga cinematográfica.

Con Tiburón, el joven Steven Spielberg decide versionar la novela de Peter Bentchley al cine y no supo lo que esto traería. Gracias a esta película Spielberg se convierte en uno de los directores más cotizados y venerados de Hollywood. En la actualidad se sigue considerando una de las películas con mayor tensión, dará gran conocimiento del estilo magistral de este director que convierte en arte casi todo lo que toca.

Nos encontramos a continuación ante una obra que llegó a la fama gracias a su adaptación fílmica, Charlie y la fábrica de Chocolate, obra de ciencia ficción para niños escrita por Roald Dahl en 1964.

Tim Burton en el 2005 (director, uno de mis favoritos, creador del cine gótico) junto con Jhony Deep, que interpreta a Willy Wonka (personaje inspirado claramente en Michael Jackson) y Jhon August (guionista) estrenan una gran adaptación seguida por un gran porcentaje del círculo infantil quienes quedaron atrapados gracias al conjunto de sustancias de la obra, una ciudad de chocolate, la empresa de chocolatinas Wonka, dirigida por un excéntrico personaje con triste infancia  e ideas surrealistas, Willy, y sin poder dejar de nombrar a los trabajadores de dicha empresa, los Oompa loompa, personajillos de medio metro con pelo verde que entonan una serie de canciones pegadizas, memorables para los pequeños que aprenden y cantan estas canciones. Era un éxito infantil asegurado. Este libro ya tuvo anteriormente otra adaptación al cine realizada en 1971 que no tuvo tanto éxito como la adaptación de Tim Burton, se conoció en España con el nombre “Un mundo de Fantasía o Willy Wonka y la fábrica de chocolates” protagonizada por Gene Wilder, conocido por aparecer en numerosas películas del cine cómico de Mel Brooks.

Para terminar, quién le iba a decir a J.K Rowling que encontraría la gran fama gracias al mago Harry Potter. Ha sido uno de los petardazos del siglo donde los libros y los estrenos en los cines van a la par, haciendo ingresos por doquier y asegurando una confortable jubilación a su autora. Esta última es digna de mención gracias a la fama entre las nuevas generaciones de niños, novelas que disparan la imaginación de los jóvenes, quienes esperan ansiosos el estreno de la película tras leer el libro.

Hay relaciones que duran toda la vida, otras que se rompen antes de tiempo, y otras que ni siquiera llegan a ser relaciones. Hay relaciones con las que los espectadores babeamos, también las hay con las que vomitamos o con las que morirnos de envidia. Hay relaciones que nos dan placer y otras que fingimos que nos lo dan. Este caso es tan delicioso que no sabría describirlo.

La verdad es que a los que nos gusta la literatura y la música, que se mezclen estas dos artes, que no son tantas ocasiones como pensamos, nos da un subidón que ríase usted de los de Pocholo. Porque cuando se mezclan dos de las artes maravillosas creadas por el ser humano, hay veces que se crea un hijo que te da para disfrutarlo durante toda la vida. Y a veces, incluso, te hace descubrir a poetas, por ejemplo.

No estoy seguro si comenzar por el principio del todo, o ya entrar en la materia que me interesa, que es la perteneciente al siglo XX, y en las recomendaciones que pretendo hacerles para que escuchen a verdaderos poetas cantados por verdaderos cantantes.

Creo que citarles a Mozar, a Hayden, a Verdi y tantos otros autores del Clasicismo, del Romanticismo y de otros movimientos musicales, es una pérdida de tiempo; pero sí, es cierto que fueron los primeros en coger la literatura y hacerla música. Los mitos grecolatinos fueron convertidos en óperas, por ejemplo, y sus músicas y letras aún se representan hoy en día. Por ejemplo, Orfeo.

He decidido centrarme en dos casos e ir dejando, entre estos dos, una serie de recomendaciones y de informaciones que espero que les sirvan si tienen interés en comenzar a escuchar este tipo de música.

Joan Manuel Serrat fue, posiblemente, uno de los primeros que musicó obras de poetas españoles. A Machado y a Miguel Hernández les dedica sendos discos, al primero en 1969, y al segundo en 1972. Es curioso, y digno de mencionar, que la música de La saeta se haya quedado como uno de los himnos de la Semana Santa andaluza cuando el poema dice todo lo contrario. Pero no son estos dos los únicos poetas con los que Serrat alimenta sus obras: están Goytisolo, Benedetti- recientemente fallecido-, Luis García Montero, o el mismísimo García Lorca, del que hace una versión del Amor herido que considero imprescindible. También, naturalmente, tiene canciones basadas en obras de algunos poetas catalanes como Palau i Fabre o Sabines, aunque tienen menos peso para el gran público que no sabemos catalán.
Serrat es, en este aspecto, un gran ejemplo a seguir porque respeta los tiempos de los poemas, no los desordena y hacen que el mensaje llegue igual, como si estuviésemos leyéndolo con sus puntos y comas. Se nota que es buen lector porque las obras que elige para incluirlas en sus discos suelen tener una categoría tremenda. En definitiva, sabe como tratar los poemas.

El caso de Joaquín Sabina es muy extraño porque musica el Romance de la gentil dama y el rústico pastor, texto anterior a la imprenta y que incluye en su disco Inventario (1978). En su disco 19 días y 500 noches incluye la canción Donde habita el olvido que se parece muchísimo -no digo que sea un plagio, pero sí que se basa – a la obra de Cernuda Donde habite el olvido. Es en su último disco donde canta al poeta Luis García Montero.

En el flamenco se ha dado un caso especialísimo, como es el de Enrique Morente, cantaor granadino que ha dedicado obras completas a poetas y que en cada uno de sus discos introduce algún poema musicado. Es interesante saber que este señor empezó a leer poesía muy tarde, y que ahora es gran admirador de ella, dedicándole a la lectura muchas horas de su vida. Si van por Granada es más que probable que lo vean paseando por el Sacromonte, zona donde reside. Es un hombre bastante natural, que ha ido adquiriendo una cultura asombrosa en muy poco tiempo. Es por ello, por ejemplo, por lo que fue el primero en el flamenco que cantó a Machado o a Miguel Hernández, por lo que se le conoció durante el franquismo como el cantaor rojo. Aunque, naturalmente, su poeta predilecto es Lorca al que dedica los discos, el titulado Lorca y el sensacional Omega junto al grupo Lagartija Nick que musicalmente es una renovación total. El primero está dedicado a obras de El romancero gitano y el segundo al surrealista Poeta en Nueva York del que extraigo, para muestra, uno de mis poemas favoritos:

La aurora de Nueva York tiene
cuatro columnas de cieno
y un huracán de negras palomas
que chapotean las aguas podridas.

La aurora de Nueva York gime
por las inmensas escaleras
buscando entre las aristas
nardos de angustia dibujada.

La aurora llega y nadie la recibe en su boca
porque allí no hay mañana ni esperanza posible:
a veces las monedas en enjambres furiosos
taladran y devoran abandonados niños.

Los primeros que salen comprenden con sus huesos
que no habrá paraísos ni amores deshojados;
saben que van al cieno de números y leyes,
a los juegos sin arte, a sudores sin fruto.

La luz es sepultada por cadenas y ruidos
en impúdico reto de ciencia sin raíces.
por los barrios hay gentes que vacilan insomnes
como recién salidas de un naufragio de sangre.

Enrique Morente también canta a Quevedo, a Góngora, a San Juan de la Cruz, a Bergamín, a Guillén…

También es importante la literalidad en algunos de los textos que escuchamos. No me refiero en este caso a poesía de reconocida calidad, sino a casos concretos de poetas que también cantan. Podríamos comentar en este caso, cosas de uno de los más grandes poetas-cantantes del siglo XX (y parece que del XXI, pues aún tiene fuelle) que es Leonard Cohen y que tiene canciones realmente poéticas y memorables como We takes Manhatan o Priest. Canciones que, por su calidad literaria, son dignas merecedoras de un buen puesto en un poemario.

Pero no hace falta irse a los Estados Unidos para reconocer a verdaderos cantautores, que es su nombre apropiado, porque en España también los hay y muy buenos. Desde los más jóvenes como Ismael Serrano, o más mayores como los antes mencionados Sabina, Serrat, o Rubial, aunque en este grupo podríamos meter al genial Krahe que tiene una visión más particular de la música de autor. Un ejemplo:

Tú decir que si te votan,
tú sacarnos de la OTAN,
tú convencer mucha gente.
Tú ganar gran elección,
ahora tú mandar nación,
ahora tú ser presidente.

Y hoy decir que esa alianza
ser de toda confianza,
incluso muy conveniente.
Lo que antes ser muy mal
permanecer todo igual
y hoy resultar excelente.

Hombre blanco hablar con lenguna de serpiente,
Cuervo Ingenuo no fumar la pipa de la paz con tú,
¡por Manitú!

Esta letra, crítica como pocas, fue censurada por el consejo de RTVE allá por los ochenta, pues es una crítica feroz (solo he puesto la mitad, hasta el primer estribillo) contra el gobierno socialista de Felipe González. Esta letra es pura historia, no se crean.

También hay muy buenos poetas-cantantes en Latinoamérica, aunque yo sólo citaré a los que conozco. Uno de los que más me gustan es Silvio Rodríguez, cantautor cubano que tiene una sensibilidad especial, aunque también hay otros, como es el caso del uruguayo Jorge Drexler (sé que a algún compañero de la revista esto le encantará) o de los argentinos Andrés Calamaro que tiene una vastísima producción letrística y no todas son remarcables, o el mismo Fito Páez al que le ocurre igual que al anterior.

Sinceramente, y aunque esto les va a sonar a chiste, las letras de esos cantantes que hoy en día están copando los bajos de todos los coches tunning no son para nada literarias porque rimar amor con dolor también sé yo (¡es más, acabo de hacerlo!) y es por esto por lo que no merecen más que una mención jocosa.

Creo que lo mejor para terminar este artículo es dejarles con unos versos de la canción Unicornio de Silvio Rodríguez:

con su cuerno de añil pescaba una canción
saberla compartir era su vocación.

Que mezclada con esta otra estrofa de otra canción de Jorge Drexler:

hay tantas cosas / yo sólo preciso dos:
mi guitarra y vos / mi guitarra y vos

Da como resultado lo que el verdadero cantautor necesita para ser eso mismo, un cantautor.

Es la literatura en la pintura, el tema que nos ocupa en este artículo. A la hora de escribir un artículo se puede afrontar de varias maneras: a.) copiar información de diversas fuentes, b.) buscar esa información, y trasladarla mediante tu léxico y opinión, c.) escribir lo que te dé la gana. Yo intentaré trabajar con la opción ‘b’.

No me limitaré a tratar la literatura en el arte, sino que intentaré abarcar desde mi humilde condición, la relación existente entre ambas, no solo la de una para con la otra.

De boca en boca, acostumbraban a relatar los griegos aquellos mitos mediante los que narraban cuanto acontecía a sus héroes y dioses. Mas es cierto que sin la ayuda de quienes plasmaron en papel estas narraciones, hasta entonces orales, habría resultado difícil que llegaran a nuestros días. No es solo gracias a la literatura por lo que tenemos noticia de ellos, también en vasos, esculturas o tapices de la época helenística encontramos referencias mitológicas, aunque resultaría tarea compleja la de dar explicación a lo que estos representan sin la ayuda de obras como la Iliada o la Odisea de Homero, como ejemplos mas destacables del período helenístico u otros autores latinos como Plutarco o Pausanias.

Es importante citar esto antes de enumerar algunos breves ejemplos de literatura en el arte pictórico, partiendo en un primer lugar de la mitología, siendo esta quizá la que mayor número de obras de arte basadas en obras literarias abarque, junto con aquellas representaciones de carácter bíblico.

Sería labor interminable enumerar todas aquellas obras de arte que hacen referencia a la literatura, es por eso que decido centrarme en aquella literatura más relevante en este aspecto, la literatura bíblica y la que hace referencia a la mitología griega y latina.

Como ejemplos a destacar citamos desde la iconografía bizantina, a la Leda Atómica de Salvador Dalí, pasando por el Nacimiento de Venus de Botticelli, la decoración pictórica al fresco de la Capilla Sixtina a cargo de Miguel Ángel y El Triunfo de Baco de Velázquez.

Son todas ellas obras que complementan a la literatura, así como beben de ella por un lado y por otro tienen un valor artístico y expresivo que consta de su propia independencia. Es mutuo el enriquecimiento que existe entre pintura y literatura.

Ponemos de relieve como algunos autores detallan por escrito cuanto querían representar con sus obras pictóricas. Son algunos de estos escritos, a mi parecer, de carácter literario por cumplir con la función de expresar el punto de vista del artista, bien es cierto que estas palabras las escribe el artista para complementar su obra, pero no en pocos casos cobran valor por sí mismas, pues son ciertamente profundas y de un valor indudablemente paralelo al de la propia pintura a la que acompañan. A modo de ejemplo, me permito destacar el poema con el que Dalí acompaña a su obra:

Metamorfosis de Narciso.

“Cuando esa cabeza se raje
cuando esa cabeza estalle
será la flor,
el nuevo Narciso,
Gala,
mi narciso.”

Si volvemos de nuevo a la antigua Grecia, encontramos cómo mediante la fórmula technopaegnia, creaban lo que hoy conocemos como caligramas. Poesía que no basta con ser leída, sino que requiere además la observación de su disposición tipográfica, mediante la cual suele mostrarse el tema del poema. No es una técnica de gran repercusión, pero sí juega un papel destacable en la relación indiscutible que hallamos entre literatura y pintura, pues un caligrama es el dibujo con palabras de un poema.

Ya hemos visto como de obras literarias surgen obras pictóricas, como obras pictóricas necesitan explicación literaria, y en el caso de Metamorfosis de Narciso, me atrevería a decir que a Salvador Dalí la inspiración le obliga a crear un óleo que se acompañe de un poema, así como un poema que vaya acompañado por un óleo. Hasta hemos visto como un poema suspira ser trazado de una manera concreta para no quedar solo en palabras horizontales.

Es indudable que existe una relación evidente entre pintura y literatura, por ello, y para finalizar cabe nombrar como último aspecto la relación mas destacable que encontramos en la actualidad entre ambos campos artísticos, El libro de artista, este concepto de creación es relativamente joven, pues surge en el siglo XX, y es ahora cuando empieza en España a ser considerado como género artístico, siendo su carácter el de género artístico independiente en otros países tiempo atrás.

Son los surrealistas los que inician esta tarea artística, seguidos por el grupo fluxus, y el pop art o el arte conceptual que también se sumergen en la práctica del libro de artista.

En este género se funden como modo de expresión literatura y pintura, así como también podemos destacar la importancia de los grabados o la escultura en el género.

Un libro de artista en su definición más simple es un objeto artístico que tiene forma de libro. En él se funde lo literario con lo pictórico, y lo escultórico, aunque es el carácter estético externo el que cobra mayor importancia, pero no son pocos los casos en que el carácter interno de la obra sobre, la que el artista trabaja es la protagonista.